Artistes du monde flottant, partie II

Rédigé par Josiah Ariyama

Supervisé par le Dr. Asato Ikeda

Au crépuscule de sa vie et cent ans avant Perry, Suzuki Harunobu a révolutionné la méthode d'impression sur bois, rendant les méthodes précédentes obsolètes. Dans la partie II , nous examinerons les nishiki-e, des estampes en couleurs réalisées à partir de 1765.

Harunobu

Cette estampe de Harunobu montre une scène dans une maison de plaisance.

Les deux hommes peuvent être des amants, un père et son fils, ou n'avoir aucun lien de parenté.

"Deux couples dans une maison de thé" Suzuki Harunobu, 1769-70 : 926.18.121

Suzuki Harunobu (1725-1770) a réalisé un total connu de quelque 1200 œuvres et dessins originaux, publiés pour la plupart dans les quatre années précédant sa mort en 1770. De la même manière que Moronobu (voir partie I) peut être considéré comme le père de l'ukiyo-e, Harunobu peut être considéré comme le père du nishiki-e, c'est-à-dire des "images de brocart", ou des estampes en couleurs. Bien que l'on sache peu de choses sur la vie d'Harunobu, il est généralement admis qu'en plus d'être un innovateur, il était une sorte de mondain. Il entretenait des relations avec des célébrités, des membres de la noblesse et des intellectuels de la classe des samouraïs et des marchands, ce qui l'a aidé à être reconnu comme un maître. L'industrie de la gravure sur bois était une entreprise complexe qui prospérait grâce à la coopération des artistes avec les éditeurs, les distributeurs et les assistants. Ses œuvres occupent une grande partie de l'espace d'exposition du Third Gender.

Le style d'Harunobu a été largement copié et il se distingue par une voix artistique distincte. Son style peut être identifié en notant quelques éléments clés. La coiffure Torobin Shimada était la coiffure par excellence de la période Edo pour les jeunes femmes, et sa présentation visuelle est devenue de plus en plus ornée au fil des ans. Les beautés de Harunobu avaient cependant des cheveux simples, souvent semblables à ceux du wakashu. Ses beautés, y compris les belles femmes et les wakashu, étaient chétives et délicates. Dans les scènes entre amants, il faut souvent chercher un peu plus loin des indices subtils, tels que des épingles à cheveux, des imprimés de kimono ou des parties rasées, pour discerner le sexe physique du personnage.

En termes de conception, il utilise des palettes de couleurs simples et peint souvent une scène mettant en scène un personnage historique ou des interactions entre plusieurs sujets. Des lignes, des empreintes et des motifs qui s'entrecroisent façonnent l'espace dans lequel évoluent les personnages, établissant ainsi une narration forte, parfois référentielle.

À l'aide d'ondulations, de roseaux, d'un banc et d'imprimés sur tissu,

Harunobu crée une scène intime entre de jeunes amoureux jouant du même instrument.

"Deux amoureux jouant du même shamisen", Suzuki Harunobu 1766-69 : 926.18.120

Le "mitate-e" d'Harunobu d'un personnage littéraire, représenté comme un Wakashu.

"Jeune sur une tortue à longue queue comme Urashima Taro"

Suzuki Harunobu, 1767-69 : 926.18.110

Les innovations technologiques d'Harunobu, qui ont permis de passer de la création d'images à l'aide de quelques blocs de bois à plusieurs, ont donné naissance à des produits offrant plus de profondeur, de texture et de possibilités d'expression de la voix et de la capacité artistiques. Les Sumizuri-e, les gravures au fusain et les œuvres peintes à la main n'étaient pas seulement considérées comme moins excitantes, mais cette nouvelle technologie a également permis au mercantilisme de dominer l'industrie. En d'autres termes, maintenant que les œuvres multicolores pouvaient être signées, scellées et livrées en un tour de main et en éliminant l'intensité de travail de l'impression originale, les œuvres d'art étonnantes n'étaient plus seulement sorties lors de lectures de poèmes ou de fêtes. Pour replacer le contexte de la partie : I, les estampes d'acteurs et les panneaux de signalisation élaborés et très appréciés de l'école Torii dans les quartiers de plaisir pouvaient désormais être reproduits très rapidement. Torii Kiyonaga a profité de cette nouvelle technologie pour faire revivre la prestigieuse école Torii. L'un des artistes les plus célèbres de l'époque copiera les beautés produites en série par Kiyonaga pour développer son propre style, qui jouera avec les lignes entre le réalisme et la fantaisie.

Utamaro

Triptyque d'Utamaro représentant une scène au pied du mont Fuji

Montre l'évolution spectaculaire de son style sur une courte période et son talent pour le réalisme.

"Fête des faucons devant le mont Fuji" Kitagawa Utamaro vers 1790 : 926.18.424

Utamaro Kitagawa (1753-1806) se trouvait au bon endroit au bon moment. L'économie d'Edo est explosive. 1,3 million d'habitants et plus de neuf cents maisons d'édition dotées de la technologie la plus récente, les arts visuels de Kyoto étaient paralysés et le nishiki-e était en vogue. Non seulement de magnifiques œuvres d'art, mais aussi des livres, des calendriers et des parodies, des guides de voyage, des cartes de visite et bien d'autres choses encore ont été distribués en masse. La plupart des gens connaissaient désormais les régions célèbres et les célébrités, qu'elles soient d'Edo ou non, et la distribution était soigneusement planifiée pour coïncider avec ce qui se passait dans le théâtre kabuki. De nouvelles capacités ont donné naissance à de nouvelles façons de voir l'art et le mitate-e est né.

Le mitate-e est une forme de furyu yatsushi, ou "remaniement élégant". Il s'agit d'images d'événements historiques, mises à jour ou illustrées par des motifs modernes. Le mitate-e , quant à lui, associe spécifiquement deux objets, personnes ou scènes apparemment sans rapport, afin d'ajouter une profondeur intellectuelle à l'œuvre. Ces œuvres étaient très populaires à Edo, surtout après 1765, et produites par la plupart des artistes célèbres ou réputés. Le succès d'Utamaro est cependant venu de son travail avec les éditeurs pour produire des quantités massives d'estampes d'une seule feuille représentant de belles femmes qui étaient à la fois très détaillées et stylistiquement très différentes des beautés de Harunobu et Kanbun (voir : Partie I).

Utamaro s'est surtout fait connaître pour l'intimité qu'il créait entre le spectateur et ses sujets.

Pour ce faire, il utilisait des gros plans et mettait l'accent sur le réalisme des personnages, sans se soucier de l'espace physique.

de l'espace physique.

En haut : "Profitable Visions in Daydreams of Glory", Kitagawa Utamaro, 1801-02 : 926.18.546

En bas : Extrait de "Douze formes de travaux manuels féminins", Kitagawa Utamaro vers 1795 : 926.18.426

Utagawa

La perspective, le paysage et les couleurs vives seront la marque de fabrique des gravures sur bois à partir du 19e siècle.

Extrait de "100 vues d'Edo" Utagawa Hiroshige 1857 : 926.18.905

Au cours des soixante-dix années suivantes, les Harunobus, Toriis et Utamaros s'effaceront lentement de l'esprit tandis que l'apogée de la méthode de la gravure sur bois atteindra son crescendo avec l'école d'Utagawa. L'école Katsukawa (dont il n'est pas question dans les parties I et II, mais qui est une branche extrêmement prestigieuse de la célèbre école Kano) sera immortalisée par les œuvres immédiatement reconnaissables de Katsushika Hokusai, notamment sa Grande Vague au large de Kanagawa au début des années 1830. Cependant, c'est l'école d'Utagawa qui pourrait être considérée comme la dernière grande école d'arts traditionnels japonais purs, poétiques et emblématiques. Les 100 vues d'Edo d'Utagawa Hiroshige reprennent la fascination de Moronobu pour le monde flottant, l'obsession des Torii pour la célébrité et tirent parti des innovations d'Harunobu pour montrer ce que la méthode de la gravure sur bois peut accomplir avant de devenir un moyen de diffuser de la propagande. À l'aube de la restauration Meiji et à l'approche de la première guerre sino-japonaise, ce sont les derniers artistes du monde flottant.