Le photographe réticent

Les œuvres de Sandra Brewster faisaient partie des photographies exposées dans le cadre de la récente exposition du ROM intitulée Breaking the Frame (briser le cadre). Elle s'entretient ici avec Silvia Forni, conservatrice du ROM, sur la manière dont son art évoque la mémoire, l'histoire et l'identité.

Vous faites partie des artistes les plus contemporains de l' expositionBreaking The Frame. Pendant un certain temps, vous avez été quelque peu réticente à vous définir comme photographe. Pourquoi cette réticence ?

Bien que je sois conscient de la relation immédiate avec la photographie, j'ai l'impression d'avoir été réticent en raison du respect que j'ai pour le médium et le travail de photographes dévoués. Je n'ai pas un engagement historique, traditionnel et technique aussi profond que certains. J'y suis venu plus délibérément à l'ère du numérique, où la manipulation en postproduction facilite l'accès. La photographie, cependant, a toujours été présente autour de moi et je l'utilise depuis mes premiers dessins et peintures. Je me référais à des photographies des années 1960 et 1970, qui représentaient des personnes originaires des Caraïbes récemment arrivées à Toronto. Je m'intéressais à la manière dont ils se présentaient, aux relations entre les gestes et autres.

Je m'intéressais également au fait que les photographies sont des objets intrinsèquement émotionnels, qu'elles sont porteuses de souvenirs et que nous les chérissons. Dans mon travail de ces dernières années, je fais référence à de vieilles photographies en raison de ces énergies intangibles qui se dégagent de ces petits morceaux de mémoire, non seulement dans leur contenu, mais aussi dans leur matérialité - l'état du papier - parce que nous les avons conservés pendant si longtemps.

Comment utilisez-vous la photographie pour exprimer des émotions dans vos travaux récents ?

Mon intention est de faire en sorte que l'œuvre soit lue au-delà de ce qui est contenu dans le cadre. Je considère la photographie comme un moyen d'accéder à des significations plus larges et plus profondes. L'œuvre Hiking Black Creek que j'ai réalisée pour l'exposition Here We Are Here au ROM en 2018 ne concerne pas seulement mes parents, qui y sont représentés. L'œuvre fait partie d'une conversation plus large. Et la qualité de la surface aide à cette réflexion car elle évoque l'idée de mémoire et d'histoire.

L'œuvre présentée dans Breaking the Frame fait partie de la série Blur. Pouvez-vous nous parler de cet ensemble de travaux et de la photographie présentée dans l'exposition en particulier ?

La série Blur a commencé comme un moyen d'exprimer l'idée de délocalisation. Dans ma pratique générale, je pense à ce lien avec une communauté qui a quitté un endroit pour en rejoindre un autre. Ce mouvement affecte également le sens de l'identité et crée une personne à plusieurs niveaux, une combinaison de différentes géographies et périodes.

J'ai donc demandé à toutes ces personnes de venir dans mon studio. Je les ai fait bouger devant l'appareil photo et j'ai pris des images qui décrivaient le geste.

À cette époque, je travaillais déjà avec des transferts de gel. J'étais intéressé par la relation de ce médium avec les surfaces usées par les intempéries des affiches apposées sur les façades des bâtiments. J'aimais son lien avec les rues de la ville. Dans mon application, le papier ressemble à de vieilles photographies cireuses et brillantes, alors que le contenu représente des images contemporaines de personnes.

Chaque fois que je pense à Blur, je pense à des gens qui ont en eux des souvenirs et des histoires des générations précédentes. Cela nous relie à un autre endroit et, d'une certaine manière, à un passé que nous n'avons pas connu personnellement. Nous prenons cette expérience en tant que personnes du présent et nous la laissons nous influencer en la portant dans notre avenir.

Je considère également que Blur remet en question les tentatives de fixation des identités des membres des communautés noires. Un peu à l'image de ma série de portraits Cool Pose, dans laquelle le regard se retourne vers le spectateur, Blur nous incite à voir les choses de manière plus complexe que ce que l'on nous donne à voir de manière basique.

Avec Blur, vous ne pouvez pas fixer ces identités. Le sujet ne le permet pas non plus.

Blur 16 (3), la photographie de l'exposition, a été prise en hiver. Les vêtements permettent de situer la personne en Amérique du Nord, et plus précisément au Canada. De cette manière, l'idée de voyage est intégrée à la physique du sujet. Dans l'œuvre, elle porte une veste, et j'aime beaucoup la superposition immédiate qu'elle exprime.

Silvia Forni est conservatrice principale, Arts of Global Africa, au ROM.