Tōkō Shinoda : Dépasser les frontières

La carrière vaste et variée de Tōkō Shinoda, décédée en 2021 à l'âge de 107 ans, nous amène à réfléchir à la manière dont les réalisations artistiques sont reconnues à travers la vie de l'artiste. La longévité de l'œuvre de Shinoda, qui a connu une interruption majeure de sa carrière au milieu des années 1950, témoigne non seulement de sa créativité, mais aussi de son individualité, qui ne pouvait être confinée à des genres artistiques spécifiques.

Shinoda a commencé sa carrière en tant que calligraphe et s'est fait connaître pour ses compositions visuelles abstraites à l'encre sumi à partir des années 1950 et a continué à produire de telles œuvres pendant six décennies. Pour reprendre les mots de Shinoda, son art capture des images vagues et évanescentes de choses transitoires, telles que la brise, l'air en mouvement ou les formes de l'esprit. Dans Toko Shinoda : A New Appreciation, publié en 1993, la galeriste Marjorie Chu décrit les œuvres de Shinoda comme une combinaison naturelle et sans effort de deux éléments apparemment opposés : la solidité du noir audacieux de l'encre sumi et la translucidité exprimée par de subtils changements de textures.

Bien que ses œuvres abstraites soient souvent classées dans la catégorie des peintures aujourd'hui, Shinoda ne s'identifiait ni à la calligraphie ni à la peinture. Elle a maintenu un équilibre subtil entre la calligraphie et la peinture, "une artiste rare dont le modernisme est enraciné dans la tradition sans compromis dans l'une ou l'autre direction", comme l'a décrit le critique d'art John Canaday dans le New York Times en 1972. Shinoda et ses œuvres refusent toute catégorisation définitive et, comme l'observe Chu, l'artiste a transcendé "les frontières géographiques, les définitions limitatives de ce qui est oriental et de ce qui est occidental, le sens du temps, du passé par rapport au présent, et les restrictions des attentes sociales et des philosophies culturelles".

Shinoda était une calligraphe autodidacte qui a commencé sa carrière dans le Japon d'avant-guerre. À l'âge de 27 ans, elle avait déjà déterminé son orientation artistique vers la calligraphie abstraite, un style dans lequel les formes visuelles des lettres dépassent leur signification, et qui est encore aujourd'hui considéré comme avant-gardiste. Compte tenu de la société très conservatrice du Japon des années 1940, une telle décision de poursuivre un style non conventionnel a dû exiger de la part d'une jeune femme beaucoup de détermination, de courage et de confiance en soi. Et son entreprise n'a pas été exempte de revers. Sa première exposition personnelle de calligraphie abstraite, en 1940, a été jugée négative et qualifiée d'"herbe flottante"(ne-nashi gusa), une expression décrivant un mode de vie peu sûr et peu substantiel.

Dans le monde de la calligraphie japonaise, la lutte pour rompre avec la tradition s'est faite sentir dès les années 1930, mais c'est après la fin de la Seconde Guerre mondiale, en 1945, que les calligraphes ont commencé à moderniser sérieusement cette forme pour en faire une catégorie indépendante de "beaux-arts", en partie à cause de la réforme de la langue japonaise menée par le Bureau d'occupation allié, dans le cadre de laquelle le système d'écriture traditionnel était susceptible d'être éliminé.

Certains calligraphes ont tenté de la moderniser dans le cadre de la calligraphie traditionnelle, où le sens des lettres écrites occupait la première place. D'autres ont dépassé les restrictions traditionnelles pour se concentrer davantage sur le traitement visuel des lettres que sur leur signification, et pour les représenter comme un reflet de l'état d'esprit de l'artiste.

Parmi ces derniers, des artistes se sont consacrés à la calligraphie d'avant-garde vers 1946. Il n'est pas certain que Shinoda se soit inspirée de ces mouvements, car elle n'appartenait à aucun groupe d'artistes, mais elle devait en avoir connaissance lorsqu'elle a décidé de prendre une direction similaire vers l'abstraction.

L'un de ces groupes de calligraphes d'avant-garde, le Bokujin-kai, a commencé à rechercher activement des échanges internationaux avec des peintres abstraits étrangers, car c'était l'époque où de nouvelles formes de peinture abstraite commençaient à émerger aux États-Unis (Expressionnisme abstrait) et en Europe (Art informel). Les deux parties de l'échange ont mutuellement trouvé des synchronicités dans leurs œuvres, bien que les interactions aient été de courte durée. Le dilemme des calligraphes japonais d'avant-garde était - et est toujours - que plus ils veulent aller au-delà de la tradition de la calligraphie, plus leurs œuvres sont considérées comme des "peintures", malgré leur fierté d'être des calligraphes.

Bien que la "peinture" et la "calligraphie" au Japon aient été historiquement considérées comme égales et partageant la même racine, suivant l'idée chinoise ancienne, la frontière entre "peinture" et "calligraphie" a été controversée depuis la fin du 19e siècle, lorsque la calligraphie a été éliminée de la nouvelle catégorie des "beaux-arts", dans laquelle la peinture est devenue le principal moyen d'expression. Les œuvres des calligraphes d'avant-garde et leurs interactions avec des artistes étrangers n'ont pas été officiellement reconnues dans le récit de l'histoire de l'art japonais, précisément parce qu'elles n'étaient pas de l'"art". En raison de ce dilemme, de nombreux calligraphes d'avant-garde actifs dans les années 1950-60 ont fini par revenir à un style calligraphique plus conventionnel.

Dans ce monde complexe de la calligraphie moderne, Shinoda occupait une position particulière. Il semble qu'elle soit restée très indépendante et qu'elle ait suivi sa propre voie. Bien qu'elle ait souvent été qualifiée de peintre, elle ne s'est jamais identifiée comme telle, ce qui a laissé ses œuvres libres d'être interprétées comme des calligraphies, selon l'érudit Takayuki Kurimoto.

Shinoda a été reconnue internationalement dès le début de sa carrière, au milieu des années 1950. Dès 1954, son travail a été inclus dans l'exposition " Japanese Calligraphy " au MoMA de New York, une exposition qui a présenté la calligraphie japonaise d'avant-garde. Elle s'est ensuite installée aux États-Unis en 1956 (un an avant Yayoi Kusama), et ses œuvres ont été accueillies dans le cadre des mouvements de l'expressionnisme abstrait et de l'art informel, qui constituaient à l'époque un énorme phénomène artistique.

La dignité de Shinoda en tant qu'artiste indépendante se manifeste lorsqu'elle parle de son expérience à l'étranger en 1956-1958. À New York et à Paris, elle a rencontré des artistes tels que Mark Rothko, Jackson Pollock, Robert Motherwell et Pierre Soulage. Dans l'histoire de l'art moderne, la rencontre d'artistes non occidentaux avec des artistes occidentaux est presque toujours interprétée comme l'influence de ces derniers sur les premiers. Même quelques artistes de l'expressionnisme abstrait, qui se sont inspirés de la calligraphie japonaise d'avant-garde, étaient réticents à l'admettre en public à l'époque. Shinoda, en revanche, a décrit son expérience comme un "partage" d'idées et d'opinions avec ces artistes et a refusé toute influence à sens unique de l'art occidental dans l'interview accordée à United Press International en 1980. Elle a insisté sur le fait qu'elle n'appartenait à aucun mouvement et que son travail était de nature japonaise à tous égards dans une interview accordée au Business Times en 1998.

Bien qu'elle ait connu le succès à l'étranger, la raison pour laquelle elle est retournée au Japon après deux ans, en 1958, était le climat : Shinoda s'est rendu compte que l'air plus sec des États-Unis faisait sécher son encre sumi trop rapidement et qu'elle n'imprégnait pas le papier comme elle le souhaitait. Cela prouve que l'encre sumi est restée la partie la plus importante de ses œuvres tout au long de sa carrière.

À partir des années 1960, elle a étendu son travail à la lithographie, à la peinture murale, à la conception de livres et à l'écriture d'essais. Les trois lithographies de ROM rappellent sa calligraphie abstraite qui a été développée en un simple plan monochrome. Bien qu'il n'y ait aucune trace de lettres, on peut trouver des expressions calligraphiques dans les jeux de différents tons d'encre, exprimés à l'aide de pinceaux de différentes tailles, de très fins à épais. Le point de départ des œuvres de Shinoda étant la calligraphie, les compositions abstraites qui en résultent incarnent toujours la nature de la reconfiguration et de l'immédiateté du temps que l'on ne trouve pas nécessairement dans les peintures, comme l'a commenté le critique d'art japonais Ichiro Haryu en 2005.

Shinoda continue d'être acclamé dans le monde entier. Pierre Alechinsky, artiste belge du mouvement Informel, très inspiré par la calligraphie japonaise, a réalisé en 1956 un film intitulé Calligraphie japonaise, mettant en scène Shinoda et trois autres artistes, ce qui témoigne de l'influence de l'artiste parmi les "calligraphes japonais" renommés de l'époque. Newsweek Japan l'a sélectionnée comme l'une des "100 Japonaises" en 2005 et, plus récemment, en 2011, le galeriste Richard Ingleby l'a qualifiée de "l'une des plus grandes artistes japonaises du XXe siècle".

Au Japon, cependant, Shinoda était davantage connue pour sa longévité, sa personnalité indépendante et son esprit de dignité, principalement grâce à ses multiples publications à succès. Ces caractéristiques acclamées ont éclipsé ses réalisations artistiques distinctives : elle a été l'une des premières calligraphes abstraites des années 1950, l'une des rares femmes artistes à s'aventurer à vivre à l'étranger à une époque où voyager dans des pays étrangers n'était pas encore facile pour la plupart des Japonais, ou encore une artiste qui a librement franchi les frontières des catégories artistiques, de la calligraphie à la peinture, des estampes à l'écriture d'un essai. Lorsque Shinoda est décédé cette année, la journaliste Emily Langer a écrit dans son journal que "[d]ans certaines estimations critiques, [Shinoda] s'est vu refuser le degré de célébrité que ses talents méritaient".

Ce n'est que pendant une courte période que les réalisations de Shinoda en tant qu'artiste ont été largement célébrées au Japon. C'était juste après son retour des États-Unis en 1958, car il était tout simplement sensationnel qu'une artiste féminine revienne au Japon après s'être fait un nom parmi les principaux artistes américains de l'époque.

Lorsque cette attention temporaire s'est dissipée, le nom de Shinoda a disparu de l'histoire de l'art japonais. Les raisons peuvent être que Shinoda était une femme artiste - le monde de l'art japonais est traditionnellement dominé par les hommes, surtout avant les années 1990 - ou que Shinoda n'appartenait à aucun groupe artistique et ne participait pas à des expositions ouvertes - l'histoire de l'art moderne s'est concentrée sur les mouvements collectifs, les groupes artistiques ayant joué un rôle central au Japon depuis la fin du XIXe siècle jusqu'à l'après-guerre. Ou peut-être est-ce dû au refus implicite de Shinoda de voir ses œuvres définies comme de la calligraphie ou de la peinture - les critiques d'art et les universitaires ont eu tendance à s'en tenir à leurs propres spécialités, et seuls quelques-uns ont pu examiner l'œuvre de Shinoda.

Mais une autre raison de la disparition de Shinoda de l'histoire de l'art japonais pourrait être la forte présence de collectionneurs privés et d'une galerie commerciale représentant ses œuvres. Il est possible que ses succès en matière de commandes, de ventes d'estampes ou même de publications à succès aient été perçus comme des activités commerciales, donnant l'impression que Shinoda est une artiste "guidée par le marché".

Le fait est que ses œuvres sont constamment exposées et collectionnées au Japon et à l'étranger depuis plus de six décennies, ce qui constitue en soi un accomplissement sans précédent. La longue carrière indépendante de Shinoda nécessite un examen minutieux et approfondi. Nous espérons que l'art de Shinoda sera célébré et mis en perspective avec les expressions visuelles plus larges qui dépassent les frontières artistiques et géographiques.

Akiko Takesue est conservatrice associée du comité Bishop White pour l'art et la culture japonaise au ROM.